Der 1978 in Riga (Lettland) geborene Komponist Andris Dzenītis erhielt mit gerade 16 Jahren für seine Sonate für Violine und Klavier Pamestie (Deserted, 1994) den Kammermusikpreis des Lettischen Komponistenverbandes. Als Herder-Stipendiat studierte er 1996 bis 1997 Komposition an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien bei Kurt Schwertsik. Seine Studien setzte er an der Lettischen Musikakademie bei Pēteris Plakidis (1997 bis 1999) und an der Musik- und Theaterakademie Litauens bei Osvaldas Balakauskas (1999 bis 2003) fort. Für seine Werke, die vielfach aufgeführt und auf CD eingespielt wurden, erhielt er zahlreiche Preise, etwa 2007 den in Lettland hoch angesehenen Großen Musikpreis für Fides.Spes.Caritas (2006). Dzenītis ist vielseitig tätig: ­Neben seiner Beschäftigung als Musikjournalist, Musikorganisator und Kompositionslehrer ist er Mitbegründer des Woodpecker Projects, einer Gruppe für elektronische Musik. Seit 2004 ist Dzenītis außerdem Vorstandsmitglied des Lettischen Komponistenverbandes. Er schreibt über seine Komposition Latvian Cookbook (Lettisches Kochbuch) – für Ensemble: „Überall auf der Welt haben Völker ihre eigenen lokalen Traditionen – das beginnt mit uralten Stammesritualen, setzt sich mit Traditionen fort, die den jeweiligen historischen Gegebenheiten entsprangen, endet schließlich bei einer Vielzahl unterschiedlicher Arten des Genießens. Eine dieser lustvollen, besonderen und immer wieder faszinierenden Traditionen ist die Kochkunst. Die jeweilige Landesküche ist einer der realsten und stärksten Aspekte nationaler Identität. Das gilt vor allem für die beliebten Nationalgerichte großer Nationen. Was aber ist mit kleinen Völkern, ihren Kulturen und Traditionen? Da gibt es, ­außerhalb des ­jeweiligen Landes meist nur Legenden oder gar keine Informationen. Was wissen wir über die weißrussische, die litauische, die estländische oder die lettische Kunst, ein Essen zuzubereiten? Daher basiert meine Komposition mit ihren neun Stücken auf lettischen Originalrezepten aus alten Zeiten, die von den Großmüttern an ihre Enkel ­weitergegeben wurden, und von diesen wieder weiter. Möglicherweise ist das Essen, das ich mit musikalischen Klängen beschreiben will, nicht für alle Menschen rund um den Globus das schmackhafteste (auch das lässt sich in meiner musikalischen Sprache erfahren), aber es ist die wahre ­lettische ­Küche: von Land bis Stadt. Es gibt eine Legende, nach der bei einem wirklichen Festessen neun unterschiedliche Gerichte auf den Tisch kommen sollten: Das gewähre Reichtum und Gesundheit auch im nächsten Jahr. Darum besteht mein Stück aus neun Teilen. Die Beschreibungen für jedes dieser Teile stammen vom berühmten lettischen Koch und Feinschmecker Mārtiņš Rītiņš.“

Als Musiker ist Nicolai einer der bekanntes­ten Vertreter der zeitgenössischen elektronischen Musik. Er hat vielfach in Kollaborationen z. B. mit Scanner, Thomas Knak, Mika Vainio, Michael Nyman, Ryoji Ikeda oder Ryūichi Sakamoto gearbeitet und ist Teil des Projektes ­signal (mit Olaf Bender und Frank Bretschneider). Unter dem Pseu­donym Alva Noto arbeitete er mit Blixa ­Bargeld (Einstürzende Neubauten). Bei ­dieser Zusammenarbeit entstanden die EP Ret Marut Handshake und das Album ­Mimikry. Im Oktober 2010 präsentierte Nicolai anlässlich der Ausstellung Not in Fashion. Mode und Fotografie der 90er Jahre im MMK Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main seine Licht- und ­Tonkunst zusammen mit Modeschöpfungen des Dresdners Kostas Murkudis. Bei der Ruhrtriennale 2012 arbeitet er zusammen mit Ryūichi Sakamoto und dem Ensemble Modern.

Carsten Nicolai ist Bildender Künstler, Komponist und Musiker und wurde 1965 in Karl-Marx-Stadt geboren. Er lebt und arbeitet in Berlin und Chemnitz. Bekannt geworden ist er vor allem als Bildender Künstler der Objekt- und Installationskunst, wobei er hauptsächlich von wissenschaftlichen Referenzsystemen inspiriert wird. Mit seinem ganzheitlichen Ansatz, der sich unter anderem mit mathematischen und kybernetischen Mustern wie Grids und Codes, Fehler- und Zufallsstrukturen sowie dem Phänomen der Selbstorganisation auseinandersetzt, sucht er die Grenzsetzungen zwischen den verschiedenen künstlerischen Genres zu überwinden.
Nicolai erhielt zahlreiche Preise und Stipendien, u. a. Villa Massimo, Rom (2007), Zurich Prize, Basel (2007), Villa Aurora, Los Angeles (2003), Goldene Nica, Ars Electronica, Linz (2000), F6-Philip Morris Graphik-Preis, Dresden (2000). Seine Arbeiten wurden in vielen nationalen und internationalen Ausstellungen renommierter Galerien und Museen präsentiert und fanden Aufnahme in bedeutende private und öffentliche Sammlungen.

Mit unidisplay (mono-version) präsentiert Nicolai ein erweiterbares Archiv grafischer Module, welche unterschiedliche optische Muster und Formen präsentieren, die verschiedene Aspekte menschlicher Wahrnehmung berühren.

Nach dem Studium der Anglistik, Romanis­tik, Theater-, Film- und Medienwissenschaft war Christine Peters von 1992 bis 1998 Projektleiterin und von 1998 bis 2003 Künstlerische Leiterin am Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main. Hier legte sie ihren Schwerpunkt auf die interdisziplinäre Produktion von Theorie und Praxis in der Gegenwartskunst. Neben der Konzipierung und Realisierung des Jahresspielplans initiierte sie zahlreiche institutionsübergreifende städtische und internationale Kooperationsprojekte und war Mitbegründerin der Internationalen Sommerakademie, die sie von 1997 bis 2002 leitete. Seit 2004 ist sie freie Kuratorin, so für Theater der Welt in Stuttgart 2005, wo sie u. a. den ersten 24 Stunden Interview Marathon von Hans Ulrich Obrist kuratierte. 2006 co-kuratierte sie die prozessuale Gruppenausstellung Protections am Kunsthaus Graz. Sie konzipierte und moderierte für Tanzplan Deutschland von 2008 bis 2010 die Forschungsreihe Tanz / Kuratieren zwischen Theorie und Praxis mit Künstlern und Kuratoren aus der Bildenden und Darstellenden Kunst. 2010 kuratierte sie eine Vortrags-, Essay- und Performance-Reihe für Theater der Welt in Essen und Mülheim und co-kuratierte die Gruppenausstellung Play Admont im Museum für Gegenwartskunst Admont (A). 2011 war sie Künstlerische Leiterin des temporären Kunstraums Globe in den Deutsche-Bank-Türmen und co-kuratierte das interdisziplinäre Symposium Beyond Curating bei PACT Zollverein in Essen. Sie ist derzeit Co-Kuratorin der Gruppenausstellung Acts of Voicing. Über die Poetiken und Politiken der Stimme am Württembergischen Kunstverein Stuttgart, mit weiteren Stationen im Total Museum, Seoul und Para / Site, Hong Kong, 2013. Christine Peters unterrichtet Kuratieren im interdisziplinären Kontext an verschiedenen deutschen Universitäten und Hochschulen und lebt in Frankfurt am Main.

Erik Bünger, der schwedische Maler, Komponist und Autor, lebt in Berlin. Seine Arbeiten entwickeln sich rund um die menschliche Stimme, untersuchen, wie eine nähere Erforschung der Stimme unser gewohntes Verständnis von Kategorien wie Identität, Freiheit, Zeit, Raum und Tod erschüttern kann. In seinen Performances, Videos, Installationen und Kompositionen untersucht er das Singen und Sprechen von Menschen. Aber nicht insofern diese Träger semantischer Bedeutungen sind, sondern indem er sich auf das konzentriert, was die signifizierende Operation, das Bezeichnen übrig lässt. Es geht ihm um die Situationen, in denen die Sprache den ihr zugeschriebenen Raum verlässt und ein eigenes Leben führt. The Empire Never Ended, Erik Büngers Beitrag zu den Frankfurter Positionen 2013, ist eine Transkription, die von Anfang bis Ende erfasst, was ein Mann, der in Zungen sprach, von sich gegeben hat. In Zungen reden, auch Glossolalie genannt, bedeutet, dass erkennbar gesprochen wird, also nicht ­gesungen oder geschrien, sondern dass ein strukturierter Redefluss klanglich absichtsvoll gestaltet wird – aber in keiner bekannten Sprache. In Zungen reden meint auch ­Außersichsein und Ekstase. Es ist eine mystisch umwölkte kulturelle Praxis, die in Absichtslosigkeit geschieht. Das Material dazu liefert eine Tonaufzeichnung aus dem Jahr 1948. Man kann davon ausgehen, dass sich dieser Mann in Trance befand, jedenfalls gehört das, was er vokalisiert, zu keiner bekannten menschlichen Sprache. Wir wissen nichts über die Muttersprache des Sprechenden, auch nicht, welchem Glauben er anhing. Das Stück bewegt sich in jenem Grenzgebiet, in dem totale Kontrolle und totaler Kontrollverlust zusammenfallen.

Um dies Stück aufzuführen, brauchen die Musiker all ihr Können und alle Konzentration. Gleichzeitig aber müssen sie diese Fähigkeiten einer Macht übergeben, die sich jeder menschlichen Kontrolle entzieht. Einer Macht, über die wir nichts wissen.

Der 1981 in der Tschechischen Republik geborene František Chaloupka studierte ­zunächst Komposition am Janáček-Konservatorium in Ostrava und trat 2004 in die Kompositionsklasse von Martin Smolka an der Janáček Akademie für Musik und Darstellende Kunst in Brno ein. Seit seinem Abschluss 2009 promoviert er an der Akademie, seit 2011 auch als Stipendiat der ­Stiftung Tschechischer Musikfonds. Weitere Stipendien erhielt er für die Ostrava Tage für Neue Musik, bei denen 2005 sein Werk Music for Five (2004) und 2007 seine Komposition An Ancient Calligraphy (2007) für großes Orchester, zwei Harfen, zwei Vibraphone und Harmonium aufgeführt wurden; bei beiden Werken erfolgte eine CD-Einspielung. Weitere Kompositionen kamen unter anderem durch die Janáček Philharmonie Ostrava, die Mährische Philharmonie Olomouc und das Ensemble Prague Modern zur Aufführung. Im April 2011 gründete Chaloupka das Dunami Ensemble – eine Gruppe von jungen tschechischen Musikern aus der experimentellen und zeitgenössischen Musikszene.
Seine Idee hinter seinem Werk bezieht sich auf den Lebensweg der Mašín-Brüder: „Die Geschichte der Brüder Mašín versetzt die Tschechen seit über sechzig Jahren in Aufregung. Die beiden jungen ­Brüder, Söhne des Armeeoffiziers Josef Mašín (der als Widerstandskämpfer gegen die Nationalsozialisten postum zum General befördert und doch Opfer des Stalinismus wurde) kämpften nach dem Tod des Vaters im Untergrund gegen das kommunistische Regime. Es kam 1948 an die Macht, und die Jungen erlebten mit, wie auch Freunde der Familie spurlos verschwanden oder in Schauprozessen zum Tode verurteilt wurden. Bei ihren Überfällen und später während ihrer Flucht aus der CSSR (nach Westberlin, 1953) töteten die Brüder Mašin zahlreiche Menschen, von ­denen nicht alle im Dienst des kommunistischen Regimes standen. Und über diesen Punkt sind die Menschen seit Jahrzehnten tief gespalten. Die einen, (wie die Mašins meinen) noch immer beeinflusst von der kommunistischen Propaganda der Vergangenheit, halten die Brüder und ihre Gruppe für Mörder und weigern sich, sie als Helden anzuerkennen; die anderen (nur 15 Prozent der heutigen Bevölkerung) erkennen, was jene taten, als mutigen Kampf zur Befreiung unseres Landes an. Nach ihrer Flucht lebten die Brüder Mašín im Ausland und wollten (auch nach 1990) nicht in ihre Heimat zurückkehren, denn die tschechischen Politiker, so sagten sie, hätten sich nicht wirklich von ihrer kommunis­tischen Vergangenheit gelöst. Der Titel ist ein Wortspiel: der tschechische Name Mašín wird ausgesprochen wie das englische Wort machine (also Maschinengewehr).“

Gesine Danckwart entwickelt als Kuratorin, Autorin und Regisseurin Theater-, Film- und mediale Kunstprojekte. Mit Staatstheatern und in freien internationalen Kontexten entstehen Projekte, die sich mit Wirklichkeit und ihrer Weitererzählung auseinandersetzen – in je neuen Formaten: Im Theater, aber vor allem auch außerhalb: Das Drama, die Utopie im Mikro, die große Geschichte in der Alltagsarchäologie in den Fokus bringen. An verschiedenen Orten weltweit (etwa in Ägypten, China oder Polen) sind Arbeiten mit Künstlern und Ensembles entstanden, die sich über Jahre weiterentwickelten. Fragen nach Arbeit und Identität sind die Basis. Woher kommst du, welche sind deine Liebes-, Körper- oder Arbeitsmarkt-Koordinaten? Was bildet dein Sein? Nach ausführlichen Recherchephasen entwickelt Danckwart ortsspezifische Themen und schließlich ihre Transformation: Der Film der Stadt in der Stadt. Im Zentrum die Alltags-Peripherie. In Mannheim etwa wurden der Hafen, die Straßenbahnen und Kasernen bearbeitet und erzählt, in Köln ging es um einen Platz zwischen Kirche und Kneipe und in Berlin um die Umschlagshallen der internationalen – vor allem asiatischen – Händler und ihre Lebensorte. In Johannesburg oder Sao Paolo dagegen betrat sie Apartments. In Peking, Shanghai oder Chengdu führten Architekturbefragungen zu Performances. Mit Chez Icke gründete Gesine Danckwart eine global funktionierende, virtuell-reale Kneipenfactory, die an verschiedenen Orten aufgebaut, eine echte Stammkneipe und digital interaktive Performance einer Stammkneipe ist. Mit Wunderland entstand nun wiederum ein Text, der mit vielen Stimmen um Arbeit und Identität kreist. Grenzen sind Arbeit und Angst. Wo fängt das draußen an?

Die Absolventen der Angewandten Theaterwissenschaft Hannah Hofmann (*1971) und Sven Lindholm  (*1968) haben den Diskurs über Realität im Theater im letzten Jahrzehnt entscheidend mitgeprägt. Das Regie und Autorenduo setzt interdisziplinäre Konzepte um, die zwischen szenischer, bildender und akustischer Kunst changieren. Auf diese Weise sind seit 2000 Stadtrauminterventionen, Theaterabende, Hörstücke, Lectures, Installationen und Filme mit Koorperationspartnern wie dem Schauspiel Köln, Museum Ludwig, dem Frankfurter Kunstverein, PACT, dem FFT oder Deutschlandradio Kultur entstanden. Darüber hinaus nehmen Hofmann&Lindholm Lehraufträge wahr, geben Workshops und Lectures im Rahmen von internationalen Festivals, Institutionen, Akademien, Hochschulen und Universitäten. Das Künstlerpaar wird durch den Theater- und Medienverlag schaefersphilippen vertreten.

Jānis Petraškevičs wurde 1978 in Riga ­(Lettland) geboren. Er erhielt Unterricht in Violine und Komposition an der Emīls Dārziņš Musikschule, bevor er von 1996 bis 2003 an der Lettischen Musikakademie Komposition bei Pēteris Plakidis studierte. In den Jahren 1998 bis 1999 ermöglichte ihm ein Stipendium das Studium bei Sven-David Sandström am Königlichen Musikcollege in Stockholm und 2004 bis 2007 absolvierte er ein Postgraduierten-Studium bei Ole Lützow-Holm an der Academy of Music and Drama in Göteborg. Jānis Petraškevičs besuchte Kompositionskurse in Schwaz / Tirol (1996), Darmstadt (1998), Royaumont (2000), er war zu Gast bei der Akademie Schloss Solitude in Stuttgart (2003) und bei EarLab in Stresa (2008). 2001 erhielt er einen Kompositionsauftrag für das Ensemble Intercontemporain (trop proche / trop loin). Sein Opus 2 et la nuit illumina la nuit gewann 2003 den Kompositionswettbewerb der Association of Baltic Academies of Music. Seine Werke wurden 2008 bei der Biennale von Venedig und beim ISCM-Festival in Vilnius aufgeführt. Namhafte Ensembles nahmen seine Werke in ihr Repertoire auf, u. a. Ensemble Ictus, Ensemble Intercontemporain, Ensemble SurPlus, Ensemble Modern. Seine Komposition Darkroom – Ein Phantasiestück beschreibt er so: „Ich habe versucht, eine Musik zu komponieren, die, wenn man so will, selbstbewusst ist, selbstreflexiv. Die Klingende ­Persönlichkeit hat einen dualen Charakter – spielt also indirekt auf Robert Schumann an, den Komponisten introvertierter Musik par excellence, dessen Traumselbst (Eusebius) nach einem optimalen Blickpunkt sucht, so weit abgerückt von sich selbst sollte er sein, dass er seine eigenen Gefühle, Stimmungen, Schattierungen erkennen kann – nämlich sein leidenschaftliches Selbst (Florestan). ‚Welcher Sinn liegt darin’, fragt sich Eusebius, wenn er sich gelegentlich in jenem ruhigen, stillen Gefilde niederlässt, von dem aus er stoisch unbewegt seine eigenen sowohl konstruktiven wie destruktiven Kräfte in den Blick nehmen kann – ihr Anschwellen und ihren Sturm… Assoziativ habe ich die Bedingungen für eine solche introspektive Betrachtung mit dem Bild einer Dunkelkammer verknüpft – einen Raum, der sich völlig verdunkeln lässt, um darin lichtempfindliches Material zu entwickeln.“

Die Ungarin Judit Varga wurde 1979 in Györ geboren und studierte von 1998 bis 2004 Klavier und Komposition an der Franz Liszt Musikakademie in Budapest. 2004 ging sie nach Wien, um an der Universität für Musik und Darstellende Kunst neben Klavier und Komposition auch die Fächer Medienkomposition und Angewandte Musik zu belegen. Weiterhin besuchte sie Meisterkurse und Kompositionsseminare, u. a. regelmäßig das internationale Bartòk Seminar (György Kurtàg, Marco Stroppa), 2001 Achantes in Avignon (Peter Eötvös, Pierre-Laurent Aimard) und 2002 bis 2005 die VIP Academy in Wien.

Sie schreibt: „Wir fragen uns oft: Wer sind wir? Hat jedes Individuum bereits bei der Geburt gewisse festgesetzte, ureigene Charakterzüge? Wer sich mit Menschen, Tieren, Gegenständen, also mit der Natur, seiner Umwelt konfrontiert und auseinandersetzt, gibt bis zu einem gewissen Grad seine ureigensten Grundzüge Stück für Stück auf bzw. ergänzt diese mit neu erlernten Eigenschaften. Im Zuge dieses Prozesses wird der Charakter bunter, vielseitiger. Daher würde ich diesen Vorgang keinesfalls als Verlust, viel eher als Gewinn betrachten. In meinem Stück Entinas möchte ich solche und ähnliche Prozesse in einem musikalischen Umfeld darstellen. Wir können sehr viel dafür tun, um uns an für uns wichtige Dinge anzugleichen. Trotzdem, nachdem wir alles getan haben, um unsere Grundzüge zu ändern, bleibt jedoch immer ein gewisser Grundkern, eine Handvoll ganz individueller Eigenschaften übrig. Eigenschaften, die uns vom Anderen unterscheiden. Vielleicht sieht man in diesem Moment am ehesten, was eigentlich unseren Grundcharakter ausmacht: die Differenz.“

Kevin Rittberger wurde 1977 in Stuttgart geboren. Er studierte Neuere Deutsche Literatur, Publizistik und Kommunikationswissenschaften an der Freien Universität Berlin. 2008 war er Stipendiat der Kunststiftung Baden-Württemberg und nahm an den Werkstatt-Tagen am Wiener Burgtheater teil. 2009 war er Stipendiat des Deutschen Literaturfonds in Darmstadt und gewann mit dem Stück Puppen das Hans Gratzer-Stipendium des Wiener Schauspielhauses. Er wurde für seine Inszenierung von Abschaffung der Arten (Dietmar Dath) und Nachrichten aus der ideologischen Antike (Alexander Kluge) mit dem Kurt Hübner-Preis ausgezeichnet. 2011 wurde Rittberger mit seinem Stück Kassandra oder die Welt als Ende der Vorstellung für den Mülheimer Dramatikerpreis nominiert. 2012 wurde ihm der Jürgen Bansemer und Ute Nyssen Dramatiker Preis verliehen. Für das Schauspiel Frankfurt inszenierte er 2010 Kleists Die Marquise von O. und 2012 die Uraufführung seines Stückes Lasst euch nicht umschlingen ihr 150000000!. Rittberger lebt als freischaffender Autor und Regisseur in Berlin. Über Kimberlit. Ein Bestiarium sagt er: „Es gibt diese funkelnden Geschichten, die das, was wir als unsere gegebenen Verhältnisse betrachten, begleiten. Darin haben wir gelernt zu leben, in den Verhältnissen, in den Geschichten – und sei es, dass wir sie verweigern. Darin geht es dann um besondere Fähigkeiten, um Durchsetzungsvermögen, um eine Kraft, die einen vor dem Nächsten zu etwas Einmaligem macht. In diesen Gewinnergeschichten ist die große Lüge, dass jeder gewinnen kann. Und tatsächlich gewinnt dann auch mal jemand, so dass die anderen Gewinnergeschichtenhörigen und sonstwie Gewinnergeschichtenerprobten also darin bestärkt werden, weiterhin nichts als gewinnen zu wollen, da der Hauptgewinn einer wahrhaften Begebenheit entspringt, wie es im Abspann des Films dann gerne heißt. Die anderen, die dieser Lüge, die meistens dem Fehlschluss aufliegt, aus dem sowieso schon falsch verstandenen Reich der Tiere nun ein grauenhaft entstelltes Reich der Menschen herbeiführen zu wollen, mit einer Geste der Verweigerung entgegentreten, müssen das nicht unbedingt ganz bewusst tun. Letztere nennt man Arglose oder Hoffnungsträger. Kimberlit ist ein Roadmovie und eine dieser funkelnden Geschichten.“

Der 1982 in Valmiera (Lettland) geborene Kristaps Pētersons studierte bis 2005 an der Lettischen Musikakademie in Riga Kontrabass (bei Sergejs Brīnums) und Komposition (bei Romualds Kalsons). Seit 2005 ist er Mitglied des Lettischen Symphonieorches­ters. 2007 wurde ihm der Masters Degree in Komposition verliehen. Weitere Master-Titel erwarb er an den Musikakademien in Oslo und Enschede. Für seine Komposition Glenfiddich erhielt er 2008 die Auszeichnung Forest orderly des Musikmagazins Mūzikas Saule. Bei dem renommierten Wettbewerb International Rostrum for Composers gewann er 2010 in der Kategorie der Unter-Dreißigjährigen mit dem Stück Twilight Chants. Über Money (Geld) – für Ensemble mit Dirigent (2012) sagt er: „In den letzten Jahren habe ich mich mit Mythen beschäftigt. Dabei galt mein Interesse nicht nur solchen Mythen, die tief in alten Zeiten wurzeln, sondern auch solchen aus unserer Zeit. Meist ist es sehr faszinierend herauszufinden, welche Teile dieser Mythen wahr sind und welche falsch. Das Verrückte ist, dass viele Menschen Mythen als absolute Wahrheit begreifen, ich halte das für gefährlich. Ich glaube vielmehr, dass man, um etwas aufzubauen (eine glückliche Zukunft etwa), eine solide Basis braucht.“

Der Song Beloved Comrade aus dem Jahr 1936 von Lewis Allan (Text) und Fred Katz (Musik) ist all jenen gewidmet, die ihr Leben im Spanischen Bürgerkrieg im Kampf gegen den Faschismus verloren haben.

Beloved Comrade

To you beloved comrade, we make this solemn vow
The fight will go on, the fight will still go on.
Like you, beloved comrade, we pledge our bodies now
The fight will go on, the fight will still go on.

Rest here in the earth, your work is done,
You’ll find new birth when we have won, when we have won.
Sleep well, beloved comrade, the fight will just begin.
The fight will go on ‘til we win, until we win.
Rest here in the earth, your work is done,
You’ll find new birth when we have won, when we have won.

Sleep well…

Geboren 1965 in Gelsenkirchen, aufgewachsen in Bochum, studierte Marcus Antonius Wesselmann von 1985 bis 1992 Komposition an der Folkwang-Hochschule Essen. Bisherige Arbeiten umfassen Opern, Musiken zu Film, Theater und Tanz, Solowerke, Werke für kleine bis größere Ensembles sowie ­Orchester. 2007 gründete er minimal productions und produziert Ton- und Bildmedien ­mit Neuer Musik. Seit 2003 arbeitet er mit dem Ensemble Modern (Franck Ollu) und Solisten wie Moritz Eggert, Uwe Dierksen, Garth Knox, Teodoro Anzellotti oder Michael M. Kasper. 2011 startete er www.modernmusix.com, eine Downloadplattform für Neue Musik. Das kompositorische Schaffen Wesselmanns zeichnet sich durch ein hohes Maß struktureller Vorordnungen und eine äußerst komplexe Organisation des musikalischen Materials aus. Grundlegend ist dabei vor allem die Idee, sowohl großformale ­Prozesse als auch die kompositorische ­Integration einzelner musikalischer Para­meter (wie Tonhöhen, Tondauern, Dynamik­) sowie die Gestaltung von harmonischen Konstellationen, Ereignisdichten, Instrumentierungen und zuweilen auchSpieltechniken über vorab definierte Zahlenformeln oder Binärcodes, die permutiert oder kombinatorisch weiterentwickelt werden, zu steuern. Hinsichtlich dieser konstruktivistischen Grundlegung und der damit einhergehenden Ablehnung einer sich dem Hörer unmittelbar aufdrängenden Emotionalität steht Wesselmanns Komponieren den Verfahrensweisen des Serialismus nahe, zugleich grenzt es sich in anderen Aspekten aber umso deutlicher von diesem ab. Am deutlichsten zeigt sich das in dem Umstand, dass Wesselmann seine formalen Prozesse über repetitive, jeweils geringfügig variierte Grundmodelle (er spricht von Pattern) verwirklicht, die im Höreindruck vexierbildähnliche, quasi objekthafte Zustände hervorrufen. Auch wenn dies an die Minimal Music bzw. die repetitive Musik denken lässt, intendiert Wesselmann im Unterschied zu dieser prinzipiell nicht-lineare Prozesse, die an ihren Kulminationspunkten in unvorhersehbare strukturelle Muster umschlagen. Diese Spannung zwischen strenger Konstruktion und Ordnung einerseits und der Suggestion chaotisch-desorganisierter Strukturen andererseits ist eines der zentralen ästhetischen Motive in Wesselmanns Schaffen. Die Komposition To You Beloved Comrade… ist ein Stück für 19 Instrumentalisten und bedient sich einer algorithmischen Kompositionsweise.

Der 1970 in Kalifornien geborene und in Frankfurt am Main lebende Mike Bouchet untersucht gesellschaftliche Phänomene und Prozesse unserer Zeit und bedient sich dazu unterschiedlichster Medien wie Skulptur, Installation, Performance, Malerei und Film. Einen Schwerpunkt bilden Fragen der Urbanität und des Konsums sowie die komplexen Beziehungen zwischen Kunst und Unterhaltung. Bouchet hat Konzepte von Autorschaft und Aura neu definiert und dabei einen unverwechselbaren Stil entwickelt. Seine vielleicht auf den ersten Blick nur als ironische Aneignungen anmutenden Arbeiten registrieren die dominierenden Themen unserer Zeit: die Vorherrschaft von Unterhaltung, Sex und Konsum und die Obsession mit Celebrities. Die Frage, die Bouchet dabei in allen Varianten beschäftigt, ist eine politische: die des Wertes, der einem Gegenstand, einer künstlerischen Arbeit und dem Künstler selbst beigemessen wird. Eine Frage, die im Spiel mit dem, was warenförmig ist oder zumindest sein kann, aufgeworfen wird. Auf der Biennale in Venedig 2009 zeigte der Künstler die Arbeit Watershed, ein im Hafenbecken des Arsenale schwimmendes Einfamilienhaus. Das für US-amerikanische Vorstädte typische Eigenheim symbolisiert für Bouchet den Traum von Eigenständigkeit und Individualität – eine Art kommerzielle Illusion. Im Anschluss an die Biennale wurde das Fertighaus transportfähig zerlegt und auf circa 30 gleich große Paletten verteilt. Zerstört und transformiert entstand daraus eine neue Skulpturengruppe mit dem Titel Sir Walter Scott, die er 2010 erstmalig in der Schirn Kunsthalle in Frankfurt zeigte. Für Currencies and Collectives verwandelt Bouchet das Frankfurt LAB in eine multimediale Fernsehlandschaft. Sortiert nach verschiedenen Themenstudios – von Talkshow über Newsroom bis Küchenstudio – spiegelt er einen Fernsehalltag wider, in dem die Grenzen zwischen Nachrichten und Unterhaltungswert fließend geworden sind.

Die 1982 in Slowenien geborene Nina Šenk beendete 2005 ihr Kompositionsstudium an der Musikakademie von Ljubljana (bei Pavel Mihelčič). Von 2005 bis 2007 absolvierte sie ein Postgraduierten-Studium bei Lothar Voigtländer an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber in Dresden sowie von 2007 bis 2008 bei Matthias Pintscher an der Hochschule für Musik und Theater in München. Ihr Violinkonzert Nr. 1 wurde beim Young Euro Classic Festival 2004 aufgeführt und mit dem ersten Preis ausgezeichnet. Bei den Weimarer Frühlingstagen 2008 gewann ihr Stück Movimento fluido den Kammermusikwettbewerb. In den Saisons 2008 / 2009 und 2009 / 2010 war sie als Composer in Residence zu Gast am Staatstheater Cottbus. Für dieses Haus schrieb sie ihr zweites Violinkonzert sowie das Orchesterstück Echo II und Schnitt für Saxophon und Ensemble. Für das Neue Musik-Netzwerk European Instrumental Laboratory entstand das Stück …glitzert, flimmert, vergeht… für Sopran und großes Ensemble; es wurde 2010 von den Ensembles Slowind, Aleph und Altera veritas in Slowenien, Frankreich und Lettland aufgeführt. Nina Šenk lebt als freischaffende Komponistin in Deutschland und Slowenien.
Ihr Stück Twenty in five (Zwanzig in fünf) bezieht sich auf zwanzig Jahre slowenischer Unabhängigkeit (bis 2011, den Projektbeginn) in fünf Bildern: „Ich habe slowenische Schriftsteller und Dichter um Stellungnahmen zur aktuellen Situation in Slowenien gebeten, mit Blick auf Gesellschaft, Kultur, Politik… Und ich bekam 26 unterschiedliche Texte: Gedichte, Kommentare, Auszüge aus bereits erschienenen Werken. Jedes des Bilder steht für einen anderen Blickpunkt: Der Anfang, Erster Eindruck, Fakten und Kritik, Pessimistisches zur aktuellen Situation und Zukunftsaussichten.“

Paweł Hendrich wurde 1979 in Breslau geboren. Neben seinem Abschluss an der Wirtschaftsuniversität Breslau studierte er außerdem Komposition an der dortigen Karol-Lipiński-Musikakademie bei Grażyna Pstrokońska-Nawratil. 2005 bis 2006 führten ihn seine Studien auch zu York Höller an die Kölner Musikhochschule. Hendrich erhielt zahlreiche Preise und Stipendien, unter anderem war er 2007 bis 2010 Teilnehmer am Förderungsprogramm des Europäischen Musikzentrums Krzysztof Penderecki. Seine Kompositionen standen immer wieder bei Musikfesten auf dem Programm, etwa beim Warschauer Herbst und bei den Audio Art Festivals in Krakau und Warschau. Schon seit vielen Jahren führt er elektroakustische Musik live auf.
Den Gedanken zu seinem Werk beschreibt er mit folgenden Worten: „Der Name des Stücks ist abgeleitet vom lateinischen Wort sedimentum (Sediment) und dem griechischen Wort metron (Maß). Der Titel bezieht sich auf Sedimentierungsprozesse, auf die Ablagerung von Partikeln, die von Flüssigkeiten mitgeschwemmt werden und irgendwann absinken. Die Sedimentologie erforscht Querschnitte von Sedimentgesteinen, um den Wandel der Gesteinsstrukturen zu erfassen. Auf diese Weise erhält man Hinweise zur Interpretation der Erdgeschichte. Ähnlich, wie sich Sedimente ablagern und zu Gestein verfestigen, so lagern sich Mythen und Legenden in der Gesellschaft ab, werden dann überlagert von neuen Schichten anderer Mythen und Legenden. Das Aufdecken unseres kulturellen Erbes gleicht der Untersuchung von Sedimentgestein – beide sind sie vielschichtig und reichen weit in die Geschichte zurück. Indem wir das Erbe aufdecken, schaffen wir unsere Identität. Das Stück Sedimetron wurde mit einer Überlagerungstechnik komponiert. Wie bei den Schichten eines Sedimentgesteins verändert sich in diesem Stück allmählich die Organisation von Tonhöhe und Rhythmus, zugleich werden Intonation und Klangfarbe der Instrumente moduliert.“

Der Schlagzeuger Rainer Römer wurde 1956 in Würzburg geboren. Vor seinem Studium an der Hochschule für Musik in Würzburg in den Jahren 1974 bis 1980 spielte er bereits in verschiedenen Jazz- und Rockbands. Zusammen mit dem Würzburger Percussions-Quartett wurde Römer Preisträger der Bundesauswahl Konzert Junger Künstler 1980 / 1981. Mit demselben Quartett wurde er 1984 Preisträger des Gaudeamus Concour in Rotterdam. Seit 1985 ist er Mitglied des Ensemble Modern Frankfurt. Produktionen für das Radio, u.a. seven seconds (HR 2001). Mit der Arbeit Staubmarsch (2002, gemeinsam mit Ottmar Hörl und Dietmar Wiesner) erhielt er den Intermedium-Award des Bayerischen Rundfunks 2002. 2004 wurde er zum Professor an die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main berufen. Sein Hörspiel Oberman (HR / 2006) wurde Hörspiel des Monats. 2010 erschien seine Porträt-CD Nemeton bei Ensemble Modern Medien.

Der 1968 in North Carolina geborene und in Paris lebende Tänzer und Choreograf Richard Siegal war von 1994 bis 2004 ­Solist der Forsythe Company. 2005 gründete er The Bakery, ein Zusammenschluss von Tänzern, Kuratoren, Bildenden Künstlern, Software-Programmierern, Architekten, Komponisten und Videokünstlern, mit ­denen er seither interaktive Installationen, Bühnenarbeiten und intermediale Performances realisiert. Zugleich entwickelte er seine choreografische Methode If / Then, ein spiel-basiertes syntaktisches Notationssystem, das die Tänzer nach bestimmten Regeln vor eine Vielfalt an Wahloptionen stellt. Nach diesem Prinzip forderte er mit seinen beiden letzten Gruppenstücken ©oPirates (2010) und Civic Mimic (2011) auch das Publikum auf, den entstehenden Raum an Handlungsmöglichkeiten zu teilen. Indem er die Trennung zwischen Zuschauern und Akteuren aufhob, entstand ein gestischer Übergangsraum, in dem Zuschauermenge, Bewegungsmaterial und Geste ineinandergreifen, mit unvorhersehbaren Wechselwirkungen, die sich aus der Verschränkung dieser Sys­teme ergeben. Siegal war Artist in Residence am ZKM in Karlsruhe und am Baryshnikov Arts Center New York. Zurzeit ist er Choreographer in Residence an der Muffathalle in München. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen für seine Tätigkeit, u. a. den New York Dance and Performance Bessie Award, den Deutschen Theaterpreis Der Faust, den Mouson Award sowie den S.A.C.D. und den Beaumarchais-Preis. Außerdem ist er MacDowell Fellow und Ehrenmitglied des Benoit de la Danse am Bolschoiballett. Als Mitglied des American Dance Festivals kuratierte er das jährliche Forsythe Festival. Mit Currencies and Collectives möchte Siegal Fragen von Autor- bzw. Zuschauerschaft thematisieren, indem er die Verhaltens- und Bewegungsmuster der Besucher und ihre Navigation im Raum ins Zentrum seiner Aufmerksamkeit stellt.

Unser Markenzeichen: Eine muntere ­Mischung der Genres zu bieten, um die Komplexität der Welt zu analysieren oder gefühlsmäßig zu erfassen.

Unsere Pläne: An der Oberflächlichkeit der Bilder kratzen.

Unser Ziel: glücklich aus der Welt des Theaters treten und mit einem neuen Blick die Welt betrachten.

SUPERAMAS ist eine Gruppe von Künst­lerInnen mit Arbeitsmittelpunkt in Belgien, Wien und Paris. Superamas steht im Französischen für einen großen wandernden Galaxienhaufen, die größte bekannte Struktur im Universum. 1999 in Paris gegründet, sind sie dafür bekannt, Impulse für ihre Kreationen in allen Lebensbereichen zu suchen. Sie vermischen ihr Ausgangsmaterial mittels Performance, Tanz, Lichtdesign, Video, Installation und Musik, wobei alle diese Medien gleichwertig behandelt werden. Ihre Methode nennen sie dé-montrer: Was ursprünglich eine Einheit darstellte, wird getrennt und zerlegt, die Fakten des Visuellen somit hinterfragt.
Nach dem Debüt Building folgten Produktionen für zahlreiche Theater und Festivals, unter anderem die BIG-Triology (2002, 2004, 2006). Ihr letztes Projekt YOUDREAM (2010), eine künstlerische Verarbeitung eingesandter Träume in drei Formaten (Bühnenperformance, TV-Serie und Internetplattform), tourte quer durch Europa. Das Buch zur BIG-Serie erschien im Mai 2011 bei La Presse du Réel. Als ­erste Studie zu ihrem neuen Projekt Theatre – Das Bild der Macht / Die Macht der Bilder drehten Superamas 2011 den Kurzfilm Berlusconi, eine Neuverfilmung einer Episode beim NATO-Gipfel im April 2009, als Silvio Berlusconi die deutsche Kanzlerin aufgrund eines Handygesprächs zehn Minuten warten ließ. Superamas publizieren auch Bücher und stellen in Galerien aus. Die Lichtinstallation Diggin´Up 2 war 2012 bei der Triennale in Hasselt zu sehen.

Durch den Einsatz verschiedener Techniken der erweiterten Wirklichkeit (3-D-Bilder, Avatare und Mapping) will „Theatre“ eine durch die Politik der Illusion strukturierte Welt darstellen. Diese Techniken ermöglichen es, markante oder anekdotische Szenen von der internationalen politischen Bühne nachzuspielen. Man erinnert sich noch an das Veto, das Frankreich in der Generalversammlung der Vereinten Nationen gegen den Irakkrieg einlegte. Die Bühne wird aber auch zum Ort der unwahrscheinlichen Begegnungen. Was hätte Marschall Tito gesagt, wenn ihn Silvio Berlusconi hätte warten lassen? Reale Personen, fiktive Personen und Avatare treffen aufeinander. Wichtige Entscheidungen werden getroffen. Möglicherweise zeichnet sich ein Krieg ab. Die Bühne wird zum Kriegsschauplatz. Was Superamas hier interessiert, ist das Zusammenspiel zwischen Wirklichkeit und Fiktion, wie es in den Berichten über die aktuelle Politik am Werk ist. Es geht darum, hinter der Illusion des Politischen die Wirklichkeit der Komödie oder des Dramas wiederzufinden. Superamas spielt Wahres und Unwahres, navigiert zwischen Realität und Virtualität und bemüht sich dabei stets, die Politik und das Bild der Politik auseinanderzuhalten. Oder die beiden noch mehr miteinander zu vermischen. Das Publikum wird jedenfalls die Gelegenheit haben, klar zu sehen: der Werkzeugkoffer wird vor seinen Augen geöffnet.

Tobias Rausch gilt als Forscher und Grenzgänger unter den Theatermachern. Nach dem Studium der Philosophie, Biologie und Literaturwissenschaften gründete er das Berliner Theater- und Performancekollektiv lunatiks produktion. Bekannt wurde die Gruppe mit ungewöhnlichen Theateraktionen, etwa der Versteigerung einer Theaterinszenierung bei eBay (livingROOMS 2004), oder der Dekonstruktion von Kriminalfällen, bei der die Zuschauer von Polizeiautos zu echten und falschen Tatorten gefahren wurden (Die Polizey – Physiognomie der Angst 2006). Aus dieser Beschäftigung mit der sozialen und mentalen Realität unserer Gesellschaft hat Tobias Rausch in den letzten Jahren eine spezifische Form des Recherchetheaters entwickelt, in der aktuelle Themen und historische Ereignisse auf der Basis umfangreicher Recherchen und zahlreicher Interviews erforscht werden. Ob bei den Auswirkungen des Afghanistan-Einsatzes auf beteiligte Soldaten und ihre Familien (einsatz spuren, 2010) oder der Rekonstruktion der Oderflut 1992 (Oder Bruch, 2012) – stets geht es um mehr und anderes als um die Aufarbeitung historischer Fakten. Nicht die dokumentarische Wahrheit steht bei ihm im Vordergrund, sondern die Erforschung der Psychotopografie einer gesellschaftlichen Situation. Oft spielen anthropologische und naturwissenschaftliche Fragen in seinen Arbeiten eine zentrale Rolle, wie in seinem fünfjährigen botanischen Langzeittheater Die Welt ohne uns am Schauspiel Hannover (seit 2010). Tobias Rausch wurde mit dem Otto Kasten-Preis der Intendantengruppe im Deutschen Bühnenverein 2012, dem Bremer Autoren- und Produzentenpreis 2007, dem Humboldt-Preis 2001 und mehreren Stipendien ausgezeichnet.

Für die Frankfurter Positionen 2013 hat Tobias Rausch gemeinsam mit Jugendlichen Menschen interviewt, die zu Flüchtlingen geworden sind. Im Vordergrund der Inszenierung der Produktion mit dem Titel Fluchtpunkt Berlin, die unmittelbar nach ihrer Uraufführung am Deutschen Theater Berlin in Frankfurt zu sehen ist, stand die Frage, welche Bedeutung Sesshaftigkeit und die Vorstellung von Heimat für uns haben, und was passiert, wenn diese verloren sind.

„Als Kind versuchte ich, nach Gehör die Musik am Klavier nachzuspielen, die ich im Radio hörte. Dies war meine erste Begegnung mit Musik. Als nächstes Instrument empfahl mir mein Vater, Violoncello zu ­lernen. Meine Spielfreude an diesem Instrument war begrenzt und dementsprechend wacklig war meine Intonation, woher ich vielleicht meinen Enthusiasmus für mikrotonale Musikstrukturen nahm. Nach dem Kompositionsstudium an der Musikakademie Ljubljana und einem Aufbaustudium an der Hochschule für Musik Dresden absolvierte ich schließlich an der Hochschule für Musik Karlsruhe das Solistenexamen Komposition bei Prof. Rihm und einen Master of Arts in Musikinformatik. Dann ein Studium an der Internationalen Ensemble Modern Akademie und die Teilnahme an der Akademie Musiktheater heute der Deutschen Bank Stiftung. Ich brauchte jetzt noch 268 Zeichen, um alle meinen Preise und Stipendien zu nennen, weitere 203 für die Angabe der wichtigsten Festivaluraufführungen, 251 für die Namen der wichtigsten Klangkörper, die meine Musik gespielt haben und 153 für die Details über meine Teilnahmen an den Meisterkursen. Aber wertes Publikum, wie anders würden Sie meine Musik hören und bewerten, je nachdem, ob hier ein glänzender Biografietext steht oder ich einfach schreibe, dass ich aus Rače komme, einem kleinen ostslowenischen Dorf, mein Vater Imker ist, ich gern Tennis spiele? Für ­diejenigen, die lieber nervenzerreißende Texte lesen, beschreibe ich noch kurz, wie heutzutage meine Musik entsteht: Mich beschäftigt die Ausarbeitung von vielschichtigen ­Klanggebilden, die aufgrund meines Strebens nach übersichtlicher Organisation von Musikstrukturen genauen mathematischen Definitionen unterliegen. Da diese in ihrer Vielfalt und Menge auf manuelle Weise nur bedingt zu kontrollieren sind, ist der Einsatz von Computeralgorithmen als eine in erster Linie nicht großformal ­agierende Assistenz, jedoch individuell die Grammatik der Musiksprache definierend, in ihrer rechnerischen Zuverlässigkeit für die Prüfung von vertrackten Zahlenvorgängen besser geeignet. Bon appétit!“

„Die Komposition Restrung für Ensemble, die bei den Frankfurter Positionen 2013 ­uraufgeführt wird, stellt sich dem Problem der übersichtlichen Strukturierung solcher Klanggebilde mittels Computer. Dabei ­entsteht keine große Form. Algorithmen definieren die Details der Musiksprache und halten in vielfachen Prozessen der Überlagerung eine Ordnung aufrecht, die unbeirrbar ist. Der künstlerische Inhalt entsteht so vielleicht nicht durch Individualität, sondern erst im Resümee vielfacher Individualitäten – in einem Effekt, der auch in der sogenannten Schwarmintelligenz wirksam wird, die das Unberechenbare aus der Kombination klarer Strukturen und Handlungsweisen entstehen lässt.“ (Hans-Jürgen Linke)